У світі, наповненому постійним шумом, мистецтво має тиху силу відновлювати душу, слугуючи святилищем світла, зцілення та присутності. Для художниці з Великої Британії Діни Едіти Клумбіс живопис є глибоко особистим мостом до цього внутрішнього спокою. Поєднуючи сучасні абстрактні форми з глибоко виразним анімалістичним портретом, роботи Діни досліджують теми емоційної стійкості, усвідомленості та людського зв'язку. У цій ексклюзивній розмові вона ділиться своїми думками про пошук творчої свободи, перетворення особистої історії на візуальну гармонію та збереження вірності своєму автентичному голосу в швидку цифрову епоху.
Від медитації до першого мазка — як внутрішня тиша перетворюється на фізичну дію в той момент, коли ви берете пензель? Що відбувається у вашій студії в той самий момент, коли ясність перетворюється на колір?
Для мене медитація та живопис походять з одного джерела. Медитація навчила мене ставати достатньо тихою, щоб почути себе, і коли я входжу до студії, я намагаюся принести цю тишу із собою. Я не завжди починаю з чітким образом у голові; іноді я просто стою перед полотном і чекаю. Настає момент, коли думки зупиняються, і почуття беруть верх. Тоді я обираю колір майже інстинктивно і роблю перший мазок. Цей перший мазок дуже важливий, тому що він порушує тишу порожнього полотна. Після цього один рух веде до іншого. Я не намагаюся все контролювати — я дозволяю картині казати мені, куди вона хоче йти. Ясність не перетворюється на колір через думку; це відбувається через почуття. Моя рука стає мостом між моїм внутрішнім світом і полотном.
Коли ви перемикаєтеся між створенням інтуїтивної абстракції та деталізованого портрету тварини, чи змінюється ваш фізичний робочий режим? Чи вимагають ці стилі різної енергії чи середовища?
Так, вони вимагають від мене дуже різної енергії. Коли я малюю інтуїтивно, я дивлюся всередину. Мої рухи вільніші, і я часто працюю всім тілом, а не лише рукою — можливо, це пов’язано з моїм танцювальним минулим. Я дуже сильно відчуваю ритм, рух і баланс, тому живопис може стати майже як танець між мною та полотном. Портрет тварини вимагає іншого роду тиші. Я уповільнююся і уважно спостерігаю: крихітні зміни у виразі обличчя, напрямок хутра, форма навколо очей і характер тварины. Музика важлива для мене, але вона має відповідати моєму емоційному стану. Іноді найкраще підходить романтична музика, під яку можна рухатися, але в інший час тиша — це найпрекрасніша музика в студії. Моє дихання теж змінюється — при інтуїтивному живописі воно стає широким і енергійним, тоді як при деталізованому портреті воно стає повільнішим і більш концентрованим.
Ви часто пишете, що очі тварин «бережуть цілі світи». Яку деталь у портреті тварини найскладніше передати, щоб донести її внутрішнє життя?
Очі завжди є найважливішою частиною для мене. Ви можете ідеально намалювати анатомію і все одно не передати тварину. Технічні деталі — відблиски, світлові плями, зіниці та кольори — мають значення, але має з’явитися щось глибше: присутність. Настає певний момент, коли око перестає виглядати як фарба і раптово відчувається так, ніби хтось дивиться на вас у відповідь. Це той момент, на який я чекаю. Тварини не можуть пояснити себе нам словами, але їхні очі можуть передавати довіру, страх, цікавість, гідність, ніжність і надзвичайну мудрість. Моє завдання — не просто відтворити те, як виглядає око, а поважати те, що я відчуваю за ним.
Ваша знакова робота «Сила» (Strength), на якій зображено вашого коня, стала символом вашого переродження. Як би ви передали її енергію через відчутні сенсорні відчуття?
Якби хтось не міг побачити «Силу», я б спочатку попросила уявити фізичну присутність коня — тепло його тіла, м’якість шерсті, силу м’язів під нею та звук його дихання. Для мене картина містить як силу, так и вразливість. Це не агресивна сила; це сила піднятися знову після того, як життя збило вас з ніг. Вона заземлена, тепла і жива. Ось чому «Сила» стала набагато більшим, ніж просто портретом мого коня. Коли я дивлюся на неї, я бачу частину моєї власної подорожі: жінку, якою я була, що я пройшла, і особистість, яка повільно з’явилася з цього досвіду. Якби мені довелося описати це відчуття одним реченням, я б сказала: це відчувається як покласти руку на тепле тіло коня і згадати, що ти живий.
Нещодавно ви ввели лінійний живопис у свою творчість. Чи символізують ці лінії нові межі, які ви навчилися встановлювати під час процесу зцілення?
Лінія може створити межу, не стаючи стіною. Вона може окреслити простір, все ще залишаючи повітря та свободу навколо нього, що дуже значуще для мене. Але мої лінії також представляють подорожі. Вони згинаються, зустрічаються, розділяються, перетинаються і іноді повертаються одна до одної. Мої найновіші лінійні картини стали особливо особистими, коли моє перше кохання повернулося в моє життя через 37 років. Ми розділили наш перший поцілунок і перші обійми, коли були молодими, і раптом, через десятиліття, наші шляхи знову перетнулися. Можливо, саме тому мої лінії стали такими важливими — вони нагадують мені, що шлях не завжди має бути прямим, щоб прибути туди, куди він належить.
Після цього возз'єднання у ваших роботах почало помітно з'являтися золото. Чи є цей металевий елемент символом вдячності?
Возз’єднання з моїм першим коханням через 37 років було чимось, чого я ніколи не могла собі уявити. Життя може повести нас у абсолютно різних напрямках, а потім раптово знову звести разом. Приблизно в той час золото почало природним чином з’являтися на моїх картинах. Для мене золото уособлює щось дорогоцінне, щось, що переживає час. Воно також може представляти світло, надію, вдячність і красу, яку ми іноді відкриваємо після проходження багатьох різних розділів життя. Тож ці золоті лінії — мій спосіб висловити вдячність. Вони нагадують мені, що деякі зв’язки залишаються всередині нас, навіть через багато років, і що життя дарує нам несподівані дарунки, коли ми найменше цього очікуємо.
Ваше рішення замінити традиційні назви картин «афірмаціями» — це потужний крок. Як ці афірмації взаємодіють із глядачами?
Афірмація може починатися з чогось дуже особистого для мене, але як тільки картина залишає мою студію, вона починає інше життя. Хтось може стати перед нею і відкрити для себе значення, про яке я навіть свідомо не задумувалася. Я не хочу казати людям, що саме вони повинні відчувати; афірмація — це запрошення. Іноді людина каже мені, що вона бачить на одній з моїх картин, і я думаю: Я ніколи не бачила це так. Але їхнє трактування не є неправильним — їхній власний досвід увійшов у розмову з моїм. Назва дає чомусь ім’я, тоді як афірмація може продовжувати працювати всередині вас.
Ви розширюєтеся у напрямку носимого мистецтва (wearable art), такого як шовкові хустки та сукні з вашими принтами. Яке це — бачити, як ваше мистецтво виходить за рамки традиційних картин?
Для мене це дуже захоплюючий новий напрямок. Коли я малюю, кожна картина несе в собі частину мене — мої емоції, спогади, досвід і те, як я бачу світ. Зазвичай картина залишається на стіні, але носиме мистецтво дає їй абсолютно інше життя.
Ідея про те, що хтось може носити одну з моїх картин як шовкову хустку або сукню, дуже особлива для мене. Художня робота починає рухатися разом із людиною, стаючи частиною її індивідуальності та її власної історії. Мистецтво не повинно належати лише галереям чи знаходитися всередині рамки; воно може стати частиною нашого повсякденного життя. Можливо, хтось, одягаючи один із моїх дизайнів, відчує себе красивим, впевненим або просто щасливим — і для мене це було б чудово.
Ваші доньки були свідками вашої трансформації з самого початку. Як вони впливають на ваше творче життя?
Мої доньки є невід’ємною частиною моєї історії, тому що моя старша донька запропонувала мені намалювати свої почуття на полотні в період, коли моє здоров’я було дуже поганим. Така проста пропозиція змінила моє життя. Вони знали мене до того, як я почала вважати себе художницею: вони бачили важкий період, перші картини, непевність, а потім виставки, нагороди та публікації. У них, безумовно, є своя думка! Я ціную їхню реакцію, тому що вони знають як художницю, так і жінку за роботою. Але в кінцевому підсумку я навчилася довіряти своїй власній інтуїції, що стало однією з найважливіших частин моєї трансформації.
Ви є частиною Global Talent Confederation вже більше року. Як еволюціонувало ваше бачення за цей час?
Коли я порівнюю свою роботу рік тому з тим, що я створюю зараз, найбільша зміна — це впевненість. Раніше я досліджувала багато напрямків — абстракцію, природу, квіти, портрети тварин і фігуративні роботи. Усі ці етапи чогось мене навчили. Тепер моя візуальна мова стає чіткішою. Плинні лінії, жіночі форми, елементи природи та золото створюють впізнавану мову. Моє художнє бачення також розширилося — я більше не отримую думку лише про створення картини для того, щоб повісити її на стіну, а про те, де ще може жити мистецтво. Буття частиною міжнародної творчої спільноти заохотило мене мислити масштабніше, зберігаючи при цьому те, що робить мої роботи особистими.
З якими думками та емоціями ви повернулися з Саміту членів Конфедерації в Лондоні 26 червня 2026 року?
Саміт ніс особливе емоційне значення для мене, тому що Лондон був моїм домом майже 30 років. Перебування в оточенні творчих людей з різних куточків світу нагадало мені, наскільки універсальним може бути мистецтво. Ми можемо розмовляти різними мовами та мати абсолютно різні життєві історії, але творчість дає нам спосіб упізнати щось одне в одному. Я зловила себе на думці про свою власну подорож — роботу в сфері гостинності, потім у початковій школі, пережитий кризовий стан здоров’я, відкриття для себе живопису і, зрештою, знаходження себе в міжнародному мистецькому середовищі. Я повернулася з відчуттям, що ми не повинні боятися, коли життя змінює напрямок; іноді те, що спочатку відчувається як кінець, насправді є початком ідентичності, з якою ми ще не зустрілися.
Як вам вдається захищати своє повільне, медитативне мистецтво від тиску алгоритмів соціальних мереж, залишаючись вірною своїй автентичності?
Соціальні мережі постійно кажуть нам виробляти більше: публікувати більше, показувати більше, бути помітними, бути швидкими. Але творчість не завжди працює на такій швидкості. Я провела занадто багато років, навчаючись слухати себе, щоб віддати це алгоритму. Медитація навчила мене, що тиша — це не порожнеча; іноді зовні здається, що нічого не відбувається, тоді як щось дуже важливе розвивається всередині. Моя порада художникам: не дозволяйте швидкості соціальних мереж визначати швидкість вашої творчості. Мистецтву потрібен час, щоб експериментувати, робити помилки або просто тихо посидіти з ідеєю. «Алгоритм може просити мене поспішати. Полотно — ніколи». Коли я стою перед своїм полотном, немає конкуренції та немає дедлайну для уваги. Соціальні мережі — це інструмент для поширення мистецтва, але це не те місце, де воно народжується. Моє мистецтво народжується в тиші, емоціях, досвіді, любові та сміливості слухати себе.
Через свої глибокі роздуми та інтуїтивний підхід до створення, Діна Клумбіс нагадує нам, що мистецтво — це набагато більше, ніж естетичний вираз, це живий діалог стійкості, грації та автентичного людського зв'язку. Її історія демонструє, як особиста вразливість, якщо її прийняти з терпінням і усвідомленістю, може перетворитися на надзвичайне джерело внутрішньої сили та універсального світла. В епоху, яка постійно вимагає швидкості та видимості, шлях Діни стоїть як потужне свідчення цінності уповільнення та вшанування свого справжнього ритму. Надаючи простір тиші та дозволяючи емоціям керувати пензлем, вона пропонує світову не просто картини, а ніжне, тривале запрошення зробити паузу, вдихнути та знову прокинутися до тихої краси всередині нас самих. Оскільки її художній голос продовжує розширюватися через галереї, носимі дизайни та світові сцени, її посилання залишається поза часом: справжнє творення починається тоді, коли ми маємо сміливість прислухатися до тиші всередині.