У сучасному світі мистецтва, де межі між класикою та цифровими технологіями стають усе прозорішими, фігура Дмитра виділяється особливою монументальністю і, водночас, щирістю. Універсальний художник, педагог та офіційний член Global Talent Confederation, він зумів поєднати у своїй творчості анатомічну точність титанів Відродження та вибухову динаміку поп-культури. У цьому відвертому інтерв'ю майстер ділиться своїми думками про «творчу зухвалість», роль штучного інтелекту в майстерні художника та про те, як мистецтво здатне зцілювати суспільство, пробиваючи стіни байдужості.
Дмитре, ви відомі як універсальний художник, але олійний живопис став вашою основною спеціалізацією. Як ви прийшли саме до цього матеріалу і що в ньому надихає вас найбільше в роботі над портретами та фентезі?
Питання дійсно цікаве. Олійний живопис для мене — це матеріал, який дивовижно піддатливий і цікавий сам по собі. Його головна перевага полягає в тому, що він сохне досить тривалий час. У процесі роботи над картиною часто настає момент, коли око просто «замилюється». Тоді я розумію, що зараз мені потрібно відпочити, а завтра я вже подивлюся на полотно свіжим поглядом і, можливо, щось виправлю. І як показує практика, наступного дня дійсно бачиш нюанси, які легко правиш, поки матеріал ще не встиг просохнути. Це дозволяє продовжувати чаклувати над своєю картиною до досягнення ідеалу.
Мене дуже надихає тематика портретів у поєднанні з фентезі. З самого дитинства мені подобалося чарівництво та магія, і коли я навчився втілювати це в картинах, я усвідомив, що художник — це теж свого роду чарівник, який володіє магією творчості та передає її глядачеві. У портреті можна створити щось незвичайне, як у моїй роботі Хранитель снів. Там зображена дівчинка в піжамі єдинорога, на обличчі якої видно космічні візерунки, а в руках вона тримає свої маленькі сни. Вона занурена у Всесвіт і може керувати добрими сновидіннями, даруючи їх людям. Саме це поєднання реальності та казки мені найцікавіше.
Ваш стиль поєднує вплив класиків (Караваджо, Мікеланджело) та «короля коміксів» Джека Кірбі. Розкажіть, як ви знаходите баланс між академічною школою та динамікою поп-культури у своєму творчому процесі?
Стиль поєднання класиків та поп-культури — питання глибоке та приємне. Майстри минулого, такі як Караваджо, Мікеланджело та Леонардо да Вінчі, завжди вражали мене тією колосальною працею, яку вони вклали в мистецтво у ті далекі часи при величезній конкуренції. Якщо взяти Мікеланджело Буонарроті, він володів унікальним талантом: дивлячись на шматок мармуру, він уже бачив у ньому готову роботу. Його точність вражала, адже найменша помилка означала б крах усієї праці. Караваджо ж надихав мене грою освітлення та балансом світла й тіні, що робило його роботи геніальними, незважаючи на його складний спосіб життя.
При цьому я дуже поважаю Джека Кірбі, якого називають королем коміксів. Ця людина практично з нуля підняла індустрію Marvel і розробила персонажів із чітким промальовуванням та глибоким сенсом. Сьогодні за його працями знімають цілі фільми, а це ж усе почалося з величезної працьовитості одного майстра. У своєму творчому процесі я надихаюся класиками і пробую бачити на полотні вже готову роботу, але при цьому поєдную це з елементами поп-культури, роблячи свої картини більш сучасними та актуальними.
Ви вірите в практику та «зухвалість художника» як засіб проти творчої кризи. Як ви підтримуєте стабільно високий рівень мотивації та як справляєтеся з фізичною й емоційною втомою, враховуючи вашу активну виставкову діяльність?
Я вірю в практику та зухвалість художника, тому що це найкраща мотивація та протест проти критиків. У творчості завжди знайдуться люди, які бажають розкритикувати твою роботу та збити бажання творити. Це свого роду перевірка на міцність: піддатися критиці й здатися або прийняти все та зухвало крокувати вперед, відсуваючи всіх критиків. У художника повинен бути стрижень конкуренції проти системи. Потрібно бути морально сильним і вірити в практику, адже тільки щоденна праця протягом десятиліть допомагає вдосконалювати себе.
Свій фізичний та емоційний стан я підтримую завдяки улюбленому синові Олександру. Це маленька людина, яка завжди мене підтримує і щиро захоплюється моїми роботами. Нещодавно ми разом виставлялися в Караганді на проєкті АртСтарт, де він представив серію з чотирьох робіт олією під назвою Щастя. Коли ти стоїш на одній арені з професіоналами разом зі своєю дитиною, і його роботи щиро хвалять — ці емоції неможливо передати словами. Мій син — це моя головна мотивація та радість, завдяки йому я справляюся з усіма труднощами.
Розкажіть детальніше про участь Олександра у проєкті "АртСтарт". Чи плануєте ви в майбутньому створити спільний творчий проєкт або виставку «Батько і Син», де ваші роботи в стилі фентезі-портрета вестимуть діалог із щирими дитячими роботами Олександра? Як така колаборація могла б вплинути на ваше бачення магії в мистецтві?
Участь Олександра в «АртСтарті» викликала в мене неймовірно сильні, ні з чим не порівнянні емоції. Я зі сторони спостерігав за ним і бачив, наскільки він був душевно заряджений цією особливою енергетикою глядацької уваги. Я свідомо відходив убік і давав йому можливість самому спілкуватися з публікою, тому що в такі моменти народжується справжній художник — коли він один на один із глядачем захищає свої ідеї. У майбутньому я дійсно поставив собі за мету реалізувати великий спільний проєкт — виставку «Батько і Син». Це буде унікальна подія, де мені, дорослому майстру з усталеним стилем, можливо, навіть доведеться підлаштовуватися під нього. У Олександра в голові народжується неймовірна кількість ідей, які він втілює задорно, сміливо й дуже швидко, не оглядаючись на канони.
Така колаборація, безумовно, освіжить моє власне бачення. Діти відчувають чарівництво набагато гостріше, їхня магія — це щирість без фільтрів та рамок «правильного» мистецтва. У моєму стилі фентезі-портрета багато деталей, техніки та продуманої філософії, а в роботах Саші — чиста енергія та радість першовідкривача. Діалог наших робіт створить той самий міст між професійною технікою та первозданною чистотою душі. Це змусить мене по-новому поглянути на саме поняття магії: адже вона не тільки в складних лесуваннях чи ідеальній світлотіні, а й у тій легкості, з якою дитина створює цілі світи. Це нагадує мені, що дитинство пролітає миттєво, і такі проєкти — найкращий спосіб зафіксувати цей зв’язок поколінь у вічності полотна.
Ви, більше року, є членом Global Talent Confederation і активно представляєте свою творчість на міжнародній арені. Які ключові персональні виставки ви провели і в яких міжнародних виставках та заходах ви взяли участь за минулий рік?
Для мене є величезною честю і предметом професійної гордості вже другий рік поспіль бути офіційним членом Global Talent Confederation. Це неймовірно приємне та статусне почуття — перебувати всередині міжнародної системи творчості, мати можливість знайомитися з видатними колегами з найрізноманітніших країн і брати участь у житті світового арт-співтовариства як член журі. Це велика відповідальність: буває, що за один конкурсний сезон надходить така колосальна кількість робіт, що я проводжу цілі ночі, уважно вивчаючи й оцінюючи кожну з них. І кожна робота знаходить свій відгук, викликає унікальні емоції. За минулий рік ми з моєю талановитою ученицею Софією Тулеубаєвою брали участь у міжнародному фестивалі в Астані, де вона заслужено посіла почесне друге місце. Я завжди з гордістю згадую на всіх своїх виставках і виступах про співпрацю із закордонною творчою індустрією. Для мене це плід моїх багаторазових трудів і результат масштабної, злагодженої роботи організаторів конкурсу Golden Time Talent, які відкривають художникам двері на світову арену.
Минулий рік став для мене та моєї студії неймовірно насиченим і плідним: у березні відбулася моя велика персональна виставка, а слідом за нею пройшли знакові виставки моїх учениць.
Які ще нові проєкти, пропозиції про співпрацю чи важливі події відбулися у вашій кар'єрі за останній рік завдяки вашій активній позиції в міжнародному арт-співтоваристві?
Окрім чистого мистецтва та чисто виставкової діяльності, ми з моєю командою спрямували величезний ресурс на благодійність та соціальну місію, що я вважаю найважливішою віхою минулого року. Наша активна позиція в міжнародній спільноті дала нам упевненість у тому, що мистецтво має виходити за межі галерейних стін. Ми організували серію теплих зустрічей та майстер-класів у будинках для людей похилого віку, а також провели повноцінні благодійні виставки в селищі Шахан, зробивши їх абсолютно доступними для місцевих жителів, у яких рідко буває можливість доторкнутися до високого мистецтва.
Особливе місце в моєму серці посідає новорічна традиція, яка цього року набула ще більшого масштабу: я особисто, у костюмі Діда Мороза, розвожу подарунки дітям з інвалідністю, які через стан здоров’я не можуть відвідати спільні свята. Також ми проводили творчі інтенсиви в дитячих будинках. Усі ці проєкти — результат того, що нас почали помічати як соціально відповідальних творців. Я глибоко переконаний, що такі добрі справи життєво необхідні художнику, щоб не зачерствіти. Як сказала мені одного разу мудра бабуся в будинку для людей похилого віку: «Доброта — це єдине, що назавжди залишається в нашій пам’яті». Ця філософія стала фундаментом усіх моїх нових проєктів та колаборацій.
Ви — визнаний художник і педагог. Які нагороди чи номінації в минулому році ви вважаєте найважливішими, і як вони відобразилися на вашому статусі в світі мистецтва?
Безумовно, ключовим моментом стало моє затвердження як офіційного члена журі міжнародної системи Golden Time Talent. Це не просто статус чи красивий рядок у біографії — це визнання мого професійного експертного рівня на світовій арені. Коли ти оцінюєш тисячі робіт з усього світу, твій власний погляд стає гострішим, а статус в очах колег та учнів — беззаперечнішим. Ця довіра з боку Global Talent Confederation Великої Британії підтвердила, що мій метод і моє бачення живопису актуальні в міжнародному контексті.
Цей статус безпосередньо відобразився на моїй педагогічній діяльності. Учні бачать, що їхній наставник — людина, чия думка вагома в Лондоні, Парижі чи Нью-Йорку. Це підвищує планку відповідальності: я вже не можу просто викладати «як відчуваю», я передаю стандарти світового рівня. Найважливішою ж «нагородою» я вважаю успіхи своїх підопічних — коли моя учениця Софія Тулеубаєва бере срібло на міжнародному фестивалі в Астані, це підтверджує мій статус педагога ефективніше за будь-які дипломи. Кожне таке досягнення зміцнює мій авторитет в арт-світі як майстра, здатного не тільки творити самому, а й запалювати нові зірки.
Як ви ставитеся до швидкого розвитку технологій та ШІ в образотворчому мистецтві? Чи бачите ви місце штучного інтелекту в роботі універсального художника, чи віддаєте перевагу збереженню традиційних методів і матеріалів?
До стрімкого розвитку технологій та ШІ я ставлюся з великим інтересом і суто позитивно. Я вважаю, що універсальний художник не повинен закриватися від прогресу в «вежі з слонової кістки». Для мене ШІ — це чудовий цифровий підмайстер, інструмент для миттєвої візуалізації найсміливіших ідей. У таких складних жанрах, як фентезі, ШІ допомагає швидко накидати композиційний «скелет», поиграти з освітленням або знайти незвичайний ракурс, на що в традиційному ескізуванні пішли б тижні. Це дозволяє заощадити ресурси: не потрібно шити дороговартісні костюми або годинами мучити натурників заради одного накиду.
Однак важливо розуміти межу: ШІ створює візуальний ряд, але не створює Мистецтво. Він може запропонувати «скелет», але «м’ясо», шкіру і, найголовніше, душу в картину вдихає тільки людина. Вибір матеріалу — будь то фактурна олія, оксамитове вугілля чи прозора акварель — і кожен живий, вібруючий мазок майстра залишаються прерогативою людського генія. Я не бачу в технологіях загрози; я бачу в них потужну підтримку, яка звільняє художника від рутини, дозволяючи зосередитися на сенсах і почуттях. Ми повинні співпрацювати з прогресом, використовуючи його як трамплін для власної уяви.
Ви викладаєте живопис дітям і дорослим. Що вас надихає в спілкуванні з юними художниками, і як ви справляєтеся з головною «складністю» — їхньою самокритикою та страхом показати свій потенціал світу?
У спілкуванні з дітьми мене найбільше надихає їхня первозданна щирість та відсутність шаблонів. Вони — мої вчителі в плані сміливості. У своїй педагогіці я роблю упор на виховання цілеспрямованості та поваги до власного часу. Головна складність — це дійсно страх невдачі та хвороблива самокритика. Коли дитина в пориві розчарування хоче розірвати малюнок, я завжди зупиняю її й пояснюю: «У цьому папері — години твого життя, частинка твоєї душі. Знищити її — означає виявити неповагу до самого себе». Я вчу їх, що будь-яка помилка — це лише сходинка до майстерності.
Я намагаюся побудувати з учнями довірливі, майже дружні стосунки. Вони знають, що можуть довірити мені свої секрети, і я ніколи їх не зраджу. Ця психологічна безпека — ключ до розкриття потенціалу. Також я веду серйозну роботу проти «зіркової хвороби»: вчу дітей, що талант — це відповідальність, і навіть найгучніший успіх не дає права дивитися на інших згори вниз. Бачити, як дитина перестає боятися «чистого аркуша» і починає гордо показувати свої роботи світу — це і є моя головна професійна перемога та нескінченне джерело натхнення.
Ви бачите себе в світі мистецтва через 5-10 років як шановану людину, чиї роботи викликають захоплення. Які головні кроки, амбітні проєкти та напрями в живописі чи викладанні ви плануєте зробити для досягнення цієї мети?
Мої плани на найближче десятиліття гранично конкретні та масштабні. Головна мета — створення авторської іменної школи мистецтв та власної арт-галереї. Це має бути простір нового типу, де класична академічна школа буде гармонійно доповнена сучасними технологіями та психологічним супроводом. Я планую розробити унікальну методику навчання, яка допоможе талантам не просто малювати, а й знаходити своє місце на міжнародному арт-ринку.
Одним із ключових напрямків стане просування моїх учнів на світову арену. Я хочу, щоб моя галерея стала «соціальним ліфтом» для обдарованих людей, де вони зможуть не тільки виставлятися, а й успішно продавати свої роботи, здобуваючи фінансову незалежність. У плані особистої творчості я планую серію масштабних виставок у великих культурних столицях світу, щоб закріпити статус майстра фентезі-портрета. Я йду до того, щоб через 10 років моє ім’я асоціювалося з якістю, магією та безкорисливою допомогою молодим талантам. Моя мета — залишити після себе не тільки полотна, а й ціле покоління сильних, незалежних художників.
Ваша мета — створення власної іменної школи та галереї. Якщо уявити цей простір прямо зараз: яким він має бути, щоб людина, яка зайшла з вулиці, миттєво відчула себе в безпеці від критики та відчула ту саму «магію творчості»? Чи застосовуватимуться там технології ІІ, про які ви згадували, як інтерактивні помічники для відвідувачів?
Якщо уявити цей простір прямо зараз, то це має бути територія абсолютного психологічного комфорту та творчої свободи. З самого порога людина повинна потрапляти в атмосферу, де немає слова «неправильно». Моя мета — створити місце, де люди отримуватимуть не лише технічні знання про олію чи академічний рисунок, а й потужну емоційну підтримку. Творчість — це дуже тонка, майже невидима нитка між нашою повсякденною реальністю та світом магії, і йти по цій грані потрібно вкрай дбайливо. Будь-яка груба критика на початковому етапі може обірвати цю нитку назавжди. Тому в моїй школі акцент буде зроблено на пошуку індивідуального стилю кожного учня, на захисті його унікального бачення від будь-яких стереотипів.
Що стосується технологій, то я бачу ІІ як повноцінного інтерактивного помічника та натхненника. Уявіть: у галереї чи навчальному класі стоїть станція з ІІ, де людина, якій бракує візуального досвіду чи уяви для складної фантастичної ідеї, може в діалозі з програмою швидко накидати концепт. Це допоможе візуалізувати композицію, прикинути освітлення чи незвичайне поєднання кольорів. ІІ стане свого роду цифровим підмайстром, який знімає страх перед «білим аркушем» і допомагає швидше перейти до найголовнішого — до живої роботи з матеріалом на полотні. Це буде сучасна лабораторія, де класична школа живопису зустрічається з технологіями майбутнього, щоб разом служити одній меті — розкриттю людського потенціалу без страху та сумнівів.
Ви часто стикалися з критикою, але навчилися використовувати її для розвитку. Яку головну пораду, засновану на вашому особистому досвіді, ви дали б молодим художникам, щоб вони не відступали від своїх целей і вірили в себе?
У моєму житті та творчій кар’єрі було дуже багато критики, часом досить жорсткої та несправедливої. Але я навчився використовувати її не як привід для зневіри, а як потужне, високооктанове паливо для свого розвитку. Я зрозумів одну важливу річ: чим більше тебя намагаються критикувати, тим більше тобою насправді цікавляться — це невід’ємний аспект успіху та публічності. Якщо про тебе говорять, значить, ти зачепив їх за живе.
Моя головна, фундаментальна порада всім молодим художникам: ніколи, ні за яких обставин не відступайте від своїх цілей і свято вірте в себе.
Критика не повинна ранити ваше серце, вона повинна гартувати вашу волю. Потрібно мати в собі ту саму творчу зухвалість, щоб рішуче ламати стіни перешкод і стереотипів, які відокремлюють вас від вашої заповітної мети. Будьте морально сильними, практикуйтеся кожен божий день, точіть майстерність і не бійтеся показувати свої світи оточуючим. Пам’ятайте: ваша робота — це частина вашої душі та вашого часу, цінуйте її вище за будь-яку чужу думку. Коли ви дійдете до свого результату, не звернувши і не зламавшись у важкий момент, ви відчуєте те істинне щастя, яке й стане вашою найвищою нагородою. Саме цей момент і означатиме ваше остаточне дозрівання як сильної та незалежної творчої особистості.
Ви активно займаєтеся благодійністю. Як ваша філософія «зухвалості художника» допомагає в цих соціальних ініціативах? Чи вважаєте ви, що мистецтво здатне не тільки прикрашати стіни, а й бути реальною силою, здатною «проламувати стіни» байдужості в суспільстві?
