Мистецтво — це мова, якою говорять серця, і для Яни Бєляєвої воно стало єдиним можливим способом чесного діалогу зі світом. Художниця-самоучка, чий шлях будується не на академічних догмах, а на інтуїції та глибокому проживанні кожного моменту, сьогодні вона впевнено представляє Казахстан у міжнародній арт-спільноті як учасниця Global Talent Confederation. У цьому інтерв'ю Яна прочиняє двері у свою майстерню сенсів. Ми поговорили про те, як перетворити розгубленість на гармонію, чому культура Казахстану — це насамперед «стан масштабу», і як зберегти «живе дихання» картини, переносячи його в цифровий формат. Це розмова про пошук внутрішньої опори, про сміливість бути вразливим і про те, чому в сучасному хаосі вміння вчасно зробити паузу стає справжнім актом творчості.
Яно, Ви свідомо обрали шлях художника-самоучки, вважаючи, что головне в мистецтві — щирість і почуття. Як цей підхід, заснований на інтуїції та особистому досвіді, допомагає Вам розвивати майстерність і опановувати нові техніки без формальної освіти?
Свідомий вибір шляху художника-самоучки для мене — це вибір чесності перед собою. Інтуїція та особистий досвід стають не заміною знанням, а їхнім джерелом. Я багато спостерігаю, аналізую власні відчуття, дивлюся, як реагує матеріал, колір, фактура. Цей шлях вчить відповідальності: якщо щось не виходить, ти не можеш послатися на школу чи метод — ти шукаєш рішення всередині себе. Так поступово формується власна мова і впевненість у ній.
Ви більше року є членом Global Talent Confederation. Які зміни відбулися у Вашому творчому підході та розвитку за цей період?
Участь у Global Talent Confederation дала мені відчуття включеності в міжнародний контекст. За цей період я стала сміливішою у висловлюваннях, стала точніше формулювати концепції своїх робіт, уважніше ставитися до подачі та діалогу з глядачем. У кар’єрному плані з’явилося більше структурності: розуміння, куди я йду, які проєкти мені дійсно відгукуються, а які — ні.
Які з виставок чи міжнародних проєктів, у яких Ви брали участь за останній рік, мали найбільший вплив?
Найбільший вплив мали проєкти, де було живе спілкування з художниками з інших країн. Саме там народжується почуття однодумців — не за стилем, а за глибиною пошуку. Такі проєкти цінні не масштабом, а якістю діалогу: коли тебе розуміють без перекладу та пояснень.
Ви зазначаєте, что сучасне мистецтво Казахстану — це синтез традицій і новаторства. Як Ви прагнете поєднати у своїх роботах особисте сприйняття з елементами багатої культури Казахстану?
Для мене культура Казахстану — це не орнамент як декоративний елемент, а стан: масштаб, тиша, внутрішня гідність, зв’язок із землею. Я намагаюся поєднувати особисте сприйняття з цими архетипами через колір, фактуру, відчуття простору. Це не прямі цитати, а скоріше внутрішній діалог із місцем, у якому я живу і яке мене сформувало.
Ви говорите про культуру Казахстану як про «стан масштабу і тиші». Якби Вам довелося працювати над проєктом у зовсім іншому ландшафті — наприклад, у мегаполісі на кшталт Нью-Йорка — чи залишилися б ці архетипи основою Вашої творчості?
Казахстан для мене — це не тільки географія. Це спосіб чути простір. Масштаб і тиша живуть усередині, тому вони залишаються зі мною в будь-якому місті. У мегаполісі я б не сперечалася з шумом — я б шукала в ньому паузи. Мені цікавіше не підлаштовуватися під середовище, а знаходити в ньому тріщини тиші. Архетипи не зникають — вони трансформуються, стають щільнішими, гострішими. Доповнюються шумом міста і еволюціонують у сучасні ритми.
Ви згадали, що Ваш майбутній диджитал-проєкт стане «продовженням дихання картини». Як Вам вдається перенести живу, майже відчутну фактуру і «внутрішню гідність» матеріалів, властиву Вашим фізичним роботам, у цифровий формат?
Для мене цифра — не протилежність живому. Це просто інше дихання. Я не хочу імітувати фактуру полотна чи вагу матеріалу — я хочу перенести стан. Тишу між шарами. Напругу паузи. Внутрішню гідність форми. Цифровий формат стане продовженням жесту — не копією. Там важливі не пікселі, а ритм. Якщо вдається зберегти відчуття присутності, значить «картина дихає» і в просторі екрана.
Ви раніше згадували, що спілкування з покупцями та колекціонерами наповнює Вас ідеями. Який найпам'ятніший відгук чи реакцію на Вашу роботу Ви отримали, що дійсно вплинуло на Вашу подальшу творчість?
Найпам’ятніший відгук був від колекціонера, який сказав: «Я не можу пояснити, що саме в цій роботі, але мені стало спокійніше, коли вона з’явилася в домі». Цей відгук сильно вплинув на мене — я зрозуміла, що мистецтво не зобов’язане бути раціонально зрозумілим, його цінність часто саме в тихому, майже непомітному впливі.
Теми вразливості та особистих кордонів вимагають від художника великої сміливості. Де для Вас проходить межа між художнім одкровенням та надмірною публічністю переживань?
Межа проходить там, де зникає сенс. Якщо одкровення стає демонстрацією болю — це вже не мистецтво, а оголення заради уваги. Я працюю тільки з тим, що прожито і осмислено. Там, де особисте перестає бути тільки моїм і починає звучати універсально. Якщо глядач упізнає себе — значить мені вдалося показати суть. Якщо він бачить лише рану творця — значить я перейшла межу.
Ваш творчий метод заснований на «ритмі і паузі». Чи переносите Ви цю філософію у своє повсякденне життя? Чи допомагає вміння «тримати паузу» зберігати ту саму «чесність перед собою»?
Так. Ритм і пауза — це не тільки метод, це спосіб бути. Уміння зупинитися сьогодні важливіше, ніж уміння прискорюватися. Пауза повертає до тіла, до дихання, до чесності. У світі постійного шуму вона стає формою опору. І саме в цих зупинках я знову чую себе. Без них неможливо зберегти внутрішню опору — ні в мистецтві, ні в житті.
Ваша творчість — це відображення емоційного стану. Чи є у Вас художній або композиційний прийом, який допомагає Вам перекласти такі складні внутрішні стани, як «розгубленість» або «гармонія», у візуально зрозумілу форму?
Найчастіше я працюю з ритмом і паузою. У стані розгубленості в роботах з’являється розірвана композиція, зміщений центр, напружені колірні контрасти. Гармонія, навпаки, проявляється в повторі, диханні форми, м’яких переходах. Я не прагну буквально ілюструвати емоцію — мені важливо створити простір, у якому глядач зможе впізнати свій стан.
Ви бачите свій розвиток в експериментуванні з об'єднанням живопису та цифрових технологій. Яким Ви уявляєте свій перший великий проєкт, що має стати синтезом традиційного мистецтва та диджитал-елементів?
Свій перший великий диджитал-проєкт я бачу як багатошаровий простір, де живописна робота стає основою, а цифрові елементи — продовженням дихання картини: звук, рух, світ. Це не про ефектність, а про заглиблення переживання, коли глядач може буквально «увійти» в стан роботи.
Крім роботи над новими техніками, які теми, пов'язані з внутрішнім світом людини, Ви плануєте досліджувати у своїх майбутніх масштабних проєктах?
У майбутніх проєктах мене особливо цікавлять теми вразливості, особистих кордонів, самотності і водночас зв’язку людини з навколишнім середовищем. Як зовнішній світ відбивається у внутрішньому, і навпаки. Ці стани зараз дуже суголосні часу, в якому ми живемо.
Які амбітні кар'єрні цілі Ви ставите перед собою на найближчі роки? Чи є у Вас мрія про персональну виставку в певній країні або співпрацю, яку Ви хотіли б реалізувати?
У найближчі роки я ставлю перед собою мету розширити міжнародну присутність і реалізувати персональну виставку за межами Казахстану. Також мені цікаві міждисциплінарні колаборації — з архітекторами, музикантами, цифровими художниками. Мрія — створити проєкт, який стане не просто виставкою, а переживанням.
Коли Ви стикаєтеся з творчими блоками, яку найголовнішу пораду, засновану на Вашому особистому досвіді, Ви б дали художникам-початківцям для підтримки натхнення і руху вперед?
Головна порада художникам-початківцям — дозволити собі бути живими і не вимагати від себе постійного результату. Натхнення — не ресурс, який потрібно вичавлювати, а стан, який приходить, коли ти дбайливо ставишся до себе. Іноді крок вперед — це пауза, тиша і турбота про власний внутрішній простір.
