Поэзия в красках: «один вздох» художника Женисбека Утешова

«Живопись — это поэзия, воплощенная в цвете и форме». Для казахстанского художника Женисбека Утешова эти слова стали не просто девизом, а истинным призванием. Его работы — это диалог с природой, запечатленный «одним вздохом» на пленэрах, и глубокое погружение в авторский стиль — фуанта‌лизм. В этом интервью Женисбек делится своей историей: от первых шагов в искусстве до выхода на международную арену, рассказывая о том, как дух степи и интуиция направляют руку мастера, создавая живые, дышащие полотна.

Женисбек, Вы называете живопись «поэзией и призванием». Как вы начали свой путь в искусстве, и что вдохновило вас выбрать живопись как свою ключевую форму самовыражения, ставшую призванием?

Для меня живопись — это действительно поэзия. Подобно тому, как поэты сочиняют стихи или песни, у меня рождаются картины в мастерской. Честно говоря, я не ожидал, что стану художником. После 11 класса я просто поступил на факультет живописи, не зная до конца, к чему это приведет. Но со временем, в процессе учебы на педагогическом факультете, ко мне пришло осознание профессиональной живописи как дела всей жизни. Природа, на которую я часто выхожу работать, стала моим главным вдохновением.

Что такое фуанта‌лизм (Fuantalism), и как вы пришли к созданию этого символизма? Какие основные принципы определяют этот авторский метод?

Фуантализм — это точечная техника. Я пришел к ней, потому что искал способ отличаться от других. Я видел, что многие работают мастихином, шпателем или просто наносят краску мазками. Мне же хотелось найти свой уникальный метод. Начал экспериментировать: одна картина, вторая — и мне стало по-настоящему интересно. В этой технике я пишу точками, а иногда сверху прохожусь сухой кисточкой по холсту, создавая особый эффект. Это и стало основой моего авторского метода.

Расскажите о вашем методе работы. Вы утверждаете, что «руки движутся сами по себе, и полотно само подсказывает, куда нанести мазок». Как эта интуиция, присущая Вашему творческому процессу, соотносится с необходимостью контроля и техники?

В начале своего пути я много работал с эскизами, долго размышлял, делал правки. Но спустя какое-то время я словно «открылся». Сейчас я пишу без эскизов, полагаясь на свой внутренний взгляд. Техника теперь следует за интуицией: я просто смотрю на холст и чувствую, куда должен лечь мазок. Процесс стал более живым и непосредственным.

Что для вас значит пленэр, и почему вы называете его «жизнью, воздухом, вздохами»? Насколько сильно Ваша работа, рожденная на открытом воздухе, отличается от студийной живописи?

Пленэр помогает мне «очистить палитру», найти новые цвета и идеи. На природе я вижу формы иначе: реки, деревья, сезонные изменения — всё это дает невероятную гамму. В мастерской я работаю более вдумчиво, а на пленэре пишу «одним моментом», выплескивая чувства на картон или холст. Я могу менять формы — делать их более округлыми или овальными, чтобы передать саму суть воздуха и жизни. Пленэр для меня — это вдохновение одним вздохом.

В Вашем творчестве сочетаются национальные традиции Казахстана и современные художественные направления. Как вы находите этот баланс, и как это отражается в Вашей работе с цветом и формой?

В моих работах нет прямого казахского стиля в плане орнаментов, но в них живет дух нашей степи, красота плоских пространств и энергия ветра. Я ищу необычные формы на природе: кривые деревья или особенные линии пейзажа становятся мне близки сердцу, и я переношу их на холст, меняя стиль и пластику. Я стараюсь писать так, чтобы мой взгляд был самобытным и не похожим на других.

Какие эмоции и идеи вы стремитесь передать через свои картины, и что для вас важнее в искусстве — техника, эмоции или взаимодействие со зрителем?

Я пишу не специально «для людей», а прежде всего выражаю свои эмоции и идеи, навеянные природой. Травы в степи, закаты, старинные дома — всё это рождает во мне чувства, которые я переношу на полотно. Для меня самое важное — чтобы работа нравилась мне самому. Если я чувствую искренность в своей картине, я уверен, что и зритель её почувствует и оценит.

После 13 лет участия в национальных конкурсах, как участие в международном конкурсе Golden Time Talent повлияло на вашу карьеру и стало мощным стимулом к достижению главной мечты — выходу на мировой уровень?

Долгое время я участвовал в конкурсах и не занимал призовых мест, писал просто ради самого процесса. Но победа в Golden Time Talent стала для меня огромным достижением и поддержкой. Я всегда мечтал выйти на мировой уровень, и этот конкурс стал неожиданным и мощным стимулом. Это дало мне веру в то, что мои работы могут быть признаны на международной арене.

Как вы справляетесь с творческими вызовами и находите мотивацию продолжать создавать, когда «творческие руки» не движутся сами собой?

Когда я сижу перед чистым холстом и чувствую, что процесса нет, я не заставляю себя. В такие моменты я иду на прогулку, катаюсь на велосипеде или просто выхожу к людям. Общение и тишина помогают мне восстановить стремление к творческому воображению. Природа и спокойные размышления — мои лучшие лекари в такие моменты.

Какие цели вы ставите перед собой как художник в контексте международного развития? Есть ли мечта или проект, который Вы хотите реализовать на мировой арт-сцене?

Моя мечта — участвовать в крупнейших мировых арт-площадках: биеннале, арт-ярмарках и симпозиумах. Я хочу развиваться, знакомиться с зарубежными коллегами, изучать их подходы. Цель — идти вперед, создавать масштабные полотна и представлять свои работы на больших международных выставках, чтобы делиться своим видением мира.

Как публика воспринимает ваши картины? Есть ли отзывы, которые особенно запомнились, и какая реакция зрителей является для Вас наивысшей похвалой?

Люди реагируют по-разному, но для меня главное, чтобы работа была написана от сердца. Я анализирую, практикую и много фантазирую на пленэрах. Когда зритель ощущает глубину воображения, вложенного в картину, и разделяет мои чувства — это и есть наивысшая похвала.

Что для вас значит свобода в искусстве, и каким образом это ощущение свободы отражается в Ваших работах, особенно в рамках фуанта‌лизма?

Свобода — это возможность писать на одном дыхании. На пленэре я работаю не детально, а цельно, пятнами и линиями, передавая мгновение. В фуантализме это проявляется через точки и цветовые пятна, которые складываются в единый образ. Это ощущение свободы в каждом мазке позволяет мне создавать живые и эмоциональные работы.

Как вы видите роль искусства в современном мире, и какова роль Вашего творчества в формировании культурного диалога?

Искусство должно удивлять людей, дарить им духовный отдых. Моя задача — через колорит, формы и краски заставить зрителя задуматься, почувствовать что-то новое. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям ощущать мир глубже и ярче, вступая в безмолвный, но важный диалог с прекрасным.

Что бы вы посоветовали начинающим художникам, которые только начинают свой путь и ищут собственный узнаваемый стиль?

Мой совет — просто много трудиться и любить свою работу, несмотря ни на что. Будьте трудолюбивыми, участвуйте в выставках и проектах. Смотрите на мир внимательно и красочно, фантазируйте и изучайте опыт мастеров. Главное — идти вперед и верить в то, что вы делаете.

История Женисбека Утешова — это напоминание о том, что искусство не терпит фальши. Его путь от академических эскизов к свободной, почти медитативной технике фуантализма доказывает: истинный стиль рождается там, где техника встречается с искренним чувством. Сегодня, когда полотна мастера начинают свой путь по мировым галереям, они уносят с собой частичку казахской степи — её простор, её ветер и её неповторимый свет. И пока рука художника продолжает следовать за интуицией, а каждый мазок остается «одним вздохом», мы можем быть уверены: этот творческий диалог со зрителем только начинается.